Pinhole

A câmara pinhole é uma máquina fotográfica sem lente. A designação tem por base o inglês, pin-hole, "buraco de alfinete" e é usada para referir a fotografia estenopeica.
É prática e económica pois usufrui de uma simples caixa na qual a luz não entre.

A pinhole consiste numa maneira de ver uma imagem real, através de uma câmara escura. De um pequeno orifício onde a luz é captada para dentro da camera, e sofrendo um movimento de inversão, a imagem é projectada para a parede oposta ao buraco contrario.

Para revelar uma imagem relativamente nitida o orifício tem de ser pequeno na ordem de 0,02 polegadas (0,5 mm) ou menos.
O obturador da câmera pinhole geralmente consiste de uma mão espalmada ou de algum material à prova de luz .

Quimicos

Louis Daguerre que em 1835 descobriu uma placa revestida de prata sensibilizada com iodeto de prata que para além de estar à vista não se via imagem nenhuma, guardou-a nUm armário e no dia seguindo quando o foi abrir encontrou uma imagem revelada.

Experiementou coisas novas, por eliminação e com outros produtos que lá estavam ( no armário) o que o levou a descobrir que a imagem latente foi revelada graças ao mercúrio.

A sensibilidade dos materiais sensivéis

A decisiva descoberta coube a Louis Daguerre que em 1835 descobriu uma placa revestida de prata sensibilizada com iodeto de prata que para além de estar à vista não se via imagem nenhuma, guardou-a nUm armário e no dia seguindo quando o foi abrir encontrou uma imagem revelada.

Experiementou coisas novas, por eliminação e com outros produtos que lá estavam ( no armário) o que o levou a descobrir que a imagem latente foi revelada graças ao mercúrio.

Dois anos depois já tinha padronizado o processo embora com grandes problemas: a imagem saía invertida e com um contraste muito baixo. E a imagem formada na chapa continuava sensível à luz e rapidamente desaparecia. Este problema foi solucionado por Daguerre quando desvendou o facto de mergulhando as chapas reveladas numa solução aquecida de sal de cozinha, este tinha um poder fixador, obtendo assim uma imagem inalterável.

A imagem estenopeica (invertida)

Estenopeica é uma fotografia realizada com estenopo.
É também o pequeno furo responsável pela intercepção do trajecto da luz reflectida por um objecto, qualquer que ele seja.

Este processo normalmente é designado como fotografia pinhole.

Para além de não utilizar lentes é mesmo interessante pois resulta da adaptação de uma caixa qualquer com o interior enegrecido e usando qualquer emulsão permite a captação de imagens.

A câmara escura

A câmara escura (compartimento totalmente escuro com um pequeno orifício), desde a sua descoberta continuou a ser usada ao longo dos séculos e serviu para apoiar o registo de imagens utilizadas pelo processo do desenho.


Num determinado século foi-lhe "juntado" (ao oríficio) um sitema óptico a fim de melhorar a qualidade da imagem desed então passou-se a chamar máquina fotográfica/câmara fotográfica.


Algumas desta "espécie" foram construídas para atrair os turistas se bem que são raras.

Criação de imagens gráficas para um CD de música

CD de Santa Claus

Titulo: The begining

Criação de um logótipo 3D

Na disciplina de Comunicação Gráfica Audiovisual a primeira parte do módulo 3 foi fazer um logótipo com o nome da disciplina e o nome da escola (tudo no mesmo logótipo).
Com as respectivas siglas: C.G.A. (Comunicação Gráfica Audiovisual) e ESMGA (Escola Secundária Dr.Manuel Gomes de Almeida), o resultado dá CGA_ESMGA tal como está na imagem.
Isto só foi possivél graças a um programa chamado Cinema 4D, que dá para fazer milhares de coisas e nós estivemos a explorá-lo e, das milhares de funcionalidades nós apenas explorámos um terço.

Percepção Cromática

Cores primárias:são mais facilmente decodificadas pelo cérebro, portanto agradam mais às crianças e ao público menos intelectualizado.

Cores vibrantes: provocam reações mais impulsivas e emocionais logo agradam mais a jovens e adolescentes.

Cores secundárias, terciárias e tonalidades:preferidas por adultos e pelo público mais intelectualizado, por promoverem arranjos cromáticos mais inusitados e sofisticados .

Cores neutras e escalas tonais:mais escolhidas pelos idosos por não proporcionarem contraste extremado e transmitirem a sensação de tranqüilidade.


Percepção é global e baseada em padrões e regras
∙ Princípios:
- Totalidade
- Isomorfismo (experiência consciente e atividade cerebral)
∙ Regras:
- Lei do fechamento
- Lei da Similaridade
- Lei da Proximidade
- Lei da Simetria
- Lei da Continuidade

A teoria Gestalt

A Psicologia da forma, Psicologia da Gestalt, Gestaltismo ou simplesmente Gestalt é uma teoria da psicologia que considera os fenómenos psicológicos como um conjunto autônomo, indivisível e articulado na sua configuração, organização e lei interna. A teoria foi criada pelos psicólogos alemães Max Wertheimer (1880-1943), Wolfgang Köhler (1887-1967) e Kurt Koffka (1886-1940), nos princípios do século XX. Funda-se na ideia de que o todo é mais do que a simples soma de suas partes. O termo Gestalt, em português, significa forma ou configuração, porém não muito utilizado em Psicologia por não condizer com seu significado nesta área especificamente. A Teoria da Gestalt estuda a percepção e a sensação do movimento, os processos psicológicos envolvidos diante de um estímulo e como este é percebido pelo sujeito.

Percepção Visual

Percepção visual, no sentido da psicologia e das ciências cognitivas é uma de várias formas de percepção associadas aos sentidos. É o produto final da visão consistindo na habilidade de detectar a luz e interpretar (ver) as consequências do estímulo luminoso, do ponto de vista estético e lógico. Na estética, entende-se por percepção visual um conhecimento teórico, descritivo, relacionado à forma e suas expressões sensoriais. Um tipo de talento, uma característica desenvolvida como uma habilidade de um escultor ou pintor que diferencia os pontos relevantes e não-relevantes de sua obra. Para que depois de pronta - em uma análise mais detalhada - possa explicar os atributos ali contidos. O Sistema Óptico Ocular é formado por um complexo esquema fisiológico o qual permite interpretar não somente a sensação de Cor, mas também a profundidade, textura, movimento etc. O qual é formado basicamente pelos globos oculares (olhos), nervos ópticos, corpos geniculares laterais e as áreas de visões.

Artes visuais- função e mensagem

Na teoria da comunicação, a mensagem é a manifestação física da informação produzida por uma fonte de informação e que se destina a alguém. Na prática, todo o texto escrito que se envia a alguém ilustra uma mensagem, concebida como uma um conjunto organizado de signos linguísticos.
O símbolo binário, ou seja dois, constitui-se como uma unidade de informação ~conhecida como bit, que é um acrónimo da expressão inglesa binary digit, ou seja, dígito binário, e traduz a menor unidade de informação que um computador pode usar. A linguagem humana é no total bem organizada e mais complexa do que a que é utilizada nos computadores na transferência de informação ordenada sob a forma de mensagem.
A teoria da comunicação ignora o significado intrínseco da mensagem, pois o que avalia nesse processo de transmissão é uma forma de comunicação e não um contéudo interpretável.

Elementos básicos da comunicação visual (ponto, linha, textura, plano, ritmo...)

O elemento básico Cor possui as cores neutras preto e branco que reflectem melancolia musical, a obscuridade e solidão que a música demonstra e até o seu ritmo sereno e tranquilo. A cor vermelha, além de fazer a analogia com o título musical (Kiss From a Rose – rosa, cor vermelha), representa o ponto mais forte, no auge da música, a liberdade e o calor entre a melancolia. Em relação á Linha, toma várias formas, com intuito de indicar várias acções. Geralmente são representadas por linhas rectas, contínuas revelam a ideia de continuidade, de invariável. Representam triângulos e rectângulos. No interior das “calotas de gelo” optou-se por uma linha mais grossa para dar a ideia de textura, simbolizando a transição de timbres baixos para timbres altos e mais fortes. O elemento básico Ponto é usado nas “pétalas”, onde estão vários consagrados num, sem dar importância á forma, querendo um movimento disperso, abstracto e propagador. A cor é um factor importante no ponto, porque lhe confere a personalidade desejada. Quanto ao elemento básico Movimento, está presente ao longo da interpretação musical, nas linhas e formas, nas “pétalas” que propagadas pela interpretação dão a ideia de estarem a esvoaçar. No caso da Dimensão difere na largura das formas rectangulares simbolizando os tons mais longos e tons mais curtos, dando um certo movimento á interpretação visual.

Anatomia da mensagem visual

Expressamos e recebemos mensagens visuais em três níveis: o representacional – aquilo que vemos e identificamos com base no meio ambiente e na experiência; o abstracto – a qualidade cinestésica de um fato visual reduzido a seus componentes visuais básicos e elementares, enfatizando os meios mais directos, emocionais e mesmo primitivos da criação de mensagens; e o simbólico – o vasto universo de sistemas de símbolos codificados que o homem criou arbitrariamente e ao qual atribuiu significados.

Uma reflexão da mensagem visual pressupõe uma breve análise sobre a correspondência com as funções comunicativas originadas pelos elementos do esquema comunicacional – destinador (emissor), mensagem, contexto, contacto, código e destinatário (receptor). (Modelo de JAKOBSON – 1960).
Em FISKE (ibid, p. 55-57), a partir do modelo referido de JAKOBSON, essas funções são assim definidas:
Função referencial – estabelece a relação entre objecto e a mensagem
Função emotiva ou expressiva – descreve a relação da mensagem com o emissor. Tem por objectivo comunicar as emoções, as atitudes, o estatuto, a classe do emissor.

Introdução ao alfabeto visual

A comunicação por meio de imagens e elementos visuais relacionados é denominada "comunicação visual". Os humanos empregam-na desde o amanhecer dos tempos. Na realidade, ela é predadora de todas as linguagens escritas. Chamamos alfabetização visual à sensibilidade à forma como as imagens são utilizadas e manipuladas para conter mensagens precisas e reunirem informação. Na sua forma mais básica, a alfabetização visual é a capacidade de entender o que está a ser visto numa imagem, incluindo certas convenções tais como perspectiva e profundidade. A níveis superiores, no entanto, a alfabetização visual incluí o entendimento da manipulação visual e apreciação estética dos meios visuais e de comunicação. O impacto de imagens sobre o consciente e o inconsciente é reconhecido como sendo muito grande. Um criador multimédia tem de aprender como usar este impacto para o melhor efeito.

Módulo 1

O cinema expressionista alemão

O expressionismo alemão é uma cultura de crise, reflexo do profundo desalento espiritual gestado nos campos de batalha da Primeira Guerra Mundial. A face da morte, estampada nos rostos de milhões de jovens precocemente ceifados, despertou os sentimentos de terror, misticismo e magia, adormecidos nas mais recônditas paragens da alma alemã. A certeza positiva dos sonhos de glória do imperialismo germânico cedeu espaço à sombra da derrota, da humilhação e do desespero. O renascimento do horror foi, pois, o fermento ideal para o surgimento do espírito expressionista, fim de todas as ilusões de poder alimentadas pela lucidez delirante da Era Bismarckeana. Povoado de incertezas e sombras, surgia, inclemente, um novo mundo, e o movimento expressionista, apoteose do indistinto e do vago, se transformaria na estética perfeita para esta realidade atroz.
Como adverte a escritora alemã Lotte H. Eisner, a principal historiadora do cinema alemão, "não é uma tarefa fácil penetrar na fraseologia expressionista alemã". Joga-se com expressões vagas, forjam-se cadeias de palavras combinadas ao acaso, procura-se o significado "metafísico" das palavras, inventam-se alegorias místicas, desprovidas de lógica e sentido, que são virtualmente intraduzíveis. Esta linguagem, carregada de símbolos, insinuações e metáforas permanece propositalmente obscura, sendo de acesso sumamente difícil para as línguas e mentalidades latinas. Pode-se afirmar, portanto, que aqueles que não estão familiarizados com o idioma alemão, compreenderão melhor expressionismo através da música, das artes plásticas e do cinema. A tradução cinematográfica da alma e da estética do expressionismo germânico é o objetivo deste trabalho. Antes, todavia, é preciso examinar em que consiste a fenomenologia expressionista.
O expressionismo, declara o teórico alemão Kasimir Edschmid, reage contra o "estilhaçamento atômico" do impressionismo, que reflete as cintilações equívocas da natureza e seus matizes efêmeros; luta, ao mesmo tempo, contra o naturalismo e seu objetivo mesquinho: fotografar a natureza ou a vida cotidiana. A reprodução da realidade tal como ela existe é inútil e desnecessária, e talvez tenha se tornado impossível.
O expressionista já não vê, mas tem "visões". Ou seja, a realidade não é mais contemplada segundo os dados dos sentidos, mas o homem consegue tão somente projetar "visões" subjetivas e interiorizantes do Real. Segundo Edschmid, a cadeia de fatos já não mais existe, existindo tão somente a visão interior que provocam. É preciso aprofundar sua essência, discernir o que há além de sua forma acidental. É o artista que, trespassando-os, se apodera da forma real que há por trás deles, e permite o conhecimento de sua essência verdadeira. O artista expressionista procurar, em lugar de um efeito passageiro, o significado eterno dos fatos e objetos. Devemos - dizem os expressionistas -, nos desligar da natureza e tentar resgatar a "expressão mais expressiva de um objeto", pois somente assim sua aura visível pode ser atravessada.
A vida humana, destaca Edschmid, ultrapassa o indivíduo e participa da vida do universo. Nosso coração bate no mesmo ritmo do cosmos. Na dinâmica do expressionismo, o homem deixa de ser um elemento ligado a uma moral, a uma obrigação social, a uma família, a uma moral religiosa, a uma sociedade. A vida do expressionista escapa à lógica financeira do burguês e à força das causalidades. Livre de todo o mesquinho remorso burguês, não admitindo senão o livre jogo de sua sensibilidade, ele se abandona a seus impulsos. A imagem do mundo se reflete no expressionista em sua pureza primitiva, a realidade é subjetiva e existe apenas em nós. O expressionismo significa um subjetivismo levado a extremos, a afirmação de um Eu totalitário e absoluto, que forja o mundo a sua imagem e semelhança.

O Cinema Americano e as novas narrativas (Griffith e Porter)

D.M. Griffith
David Llewelyn Wark Griffith, geralmente conhecido por D.W. Griffith , era um director estadunidense. É mais conhecido pelo seu controverso filme "O nascimento de uma nação".
Começou sua carreira como um próspero dramaturgo mas não conseguiu sucesso. Depois se tornou actor. Encontrando seu caminho no cinema, em pouco tempo dirigia um grande corpo de trabalho.
A sua nova empresa tornou-se um parceiro autónomo de produção na Triangle Pictures Corporation com os Keyston Studios e Thomas Ince. Através do David W. Griffith Corp, ele produziu "O nascimento de uma nação" (1915).
O Nascimento de Uma Nação foi extremamente popular mas expressava a visão racista da época. A parceria terminou em 1917, então Griffith foi para a ArtCraft, depois para a First nacional (1919-1920). Ao mesmo tempo fundou a United Artists, junto com Charles Chaplin, Mary Pickford e Douglas Fairbanks.
Na primeira viagem de Griffith para a California, ele e sua empresa descobriram uma pequena vila para filmar. Esse lugar era conhecido como Hollywood. Com isso, American Mutoscope and Biograph Company foi a primeira empresa a filmar em Hollywood: In Old California (1910).
Apesar da United Artists ter sobrevivido como empresa, a ligação de Griffith com ela foi curta, e apesar de alguns de seus filmes posteriores serem bons, ele nunca mais conseguiu sucesso comercial.
Griffith fez apenas dois filmes com som, Abrham Linclon (1930) e The Struggle (1931). Nenhum foi bem sucedido e ele nunca mais fez filmes. Embora não tenha tido grande sucesso Griffith foi considerado o pai da gramática cinematográfico.
Michael Porter
As cinco forças de Porter
O modelo das Cinco Forças de Porter foi concebido por Michael Porter em 1979 e destina-se à análise da competição entre empresas. Considera cinco factores, as "forças" competitivas, que devem ser estudados para que se possa desenvolver uma estratégia empresarial eficiente. Porter refere-se a essas forças como micro ambiente, em contraste com o termo mais geral macro ambiente. Utilizam dessas forças em uma empresa que afecta a sua capacidade para servir os seus clientes e obter lucros. Uma mudança em qualquer uma das forças normalmente requer uma nova pesquisa (análise) para reavaliar o mercado.
Porter avalia que a estratégia competitiva de uma empresa deve aparecer a partir da abrangência das regras da concorrência que definem a atractividade de uma indústria.
As cinco forças são:
· - Rivalidade entre os concorrentes
· - Poder Negocial dos clientes
· - Poder Negocial dos fornecedores
· - Ameaça de Entrada de Novos Concorrentes
· - Ameaça de produtos substitutos

Pathé e Gaumont, a industria cinematográfica

Inicialmente, em 1896, Pathé tinha quatro irmãos que reuniriam as suas economias (8.000 francos cada) para criar uma empresa para a venda de fonógrafos. Dois dos irmãos abandonaram esta parceria, pois agora seriam só dois irmãos, Charles e Emile Pathé, que iram promover o que se tornou a maior empresa de fonografia e o mundo do cinema. O principal arquitecto do sucesso do negócio do filme é Charles Pathé, pois tinha ajudado a abrir uma loja de gramofones em 1894 e, posteriormente, estabeleceu uma fábrica na vitrola. O seu sucesso industrial começou, quando ele viu as oportunidades oferecidas pelo novo entretenimento e, sobretudo pela indústria cinematográfica. Tendo tomado a decisão de expandir a sua actividade no fabrico de equipamento para cinema, Charles Pathé, com o cargo de preside o crescimento deu-se rapidamente, crescendo bastante a sua empresa. Ele recebeu o apoio decisivo do investidor, Grivolas, que irá fornecer capital de um milhão de francos, o que permitirá a expansão da empresa. Gaumont Film Company, é uma empresa de produção de cinema francês fundado em 1895 pelo engenheiro que virou inventor, Léon Gaumont (1864-1946). É a empresa de cinema mais antigo em funcionamento no mundo. Originalmente negociação de aparelhos fotográficos, a empresa começou a produzir curtas-metragens em 1897 para promover a sua marca de câmera-projetor. A empresa fabricou o seu próprio equipamento e filmes produzidos em massa até 1907.

Edison e o princípio do cinema sonoro

O Som no cinema
Um dos inventos que tornaram possivel o advento do cinema sonoro foi uma das invenções de Landell de Moura: O telefone sem fio, (patente 775.337 - 22/11/1904 -U.S.Patent Office) que transformava as variações de freqüencia e amplitude do sinal de audio em variações de intensidade de luz na mesma cadência. Óbviamente que desde logo se pensou em registrar essas variações de intensidade de luz fotograficamente, para posterior reprodução.Como se pode verificar ao longo da história do registro de som em filme, muitos técnicos, engenheiros e cientistas estiveram envolvidos nisto e uma análise mais acurada demonstra a importância do invento de Landell de Moura.
Na projeção de um filme de 35 mm um dos maiores desafios é a exigência para fixar a imagem durante a fase de exposição e alcançar uma velocidade uniforme durante a leitura ótica dos sons gravados na trilha sonora, que é uma sucessão de variações no tom cinza até o negro, cuja frequência de variação segue fielmente o som gravado originalmente.
Na primeira figura acima vemos uma representação esquemática de um projetor sonoro de filmes.O filme move-se de um carretel para o outro, sendo a taxa de exposição dos quadros de 24 por segundo. Toda a parte mecânica da máquina deve prover meios para que a velocidade de leitura da trilha sonora seja uniforme. Há 18 frames entre a exposição do filme para a visada da luz de projeção e o lugar onde o som é lido. O Som está adiantado da imagem 1 segundo ou seja de 24 a 25 fotogramas. O film de 35 mm anda a 90 pés por minuto e o de 16 anda a 36 pés por minuto.
Vamos nos ater aqui como o som é gravado fotoeletricamente e como é reproduzido. Esta interessante aplicação tem a ver com a evolução dos inventos Photophone de Bell e o posterior melhoramente de Landell de Moura (1861/1928) com o Telefone Sem Fio e naturalmente como já dissemos com a contribuição de muitos outros cientistas, como veremos através da cronologia dos eventos. É a utilização da idéia de transmitir o som através da luz, cuja intensidade e freqüencia é passível de ser registrada fotográficamente.

O Cinema Fantástico de Mélies

Georges Méliès nasceu na França e passou parte da sua juventude desenvolvendo números de mágica e truques de ilusionismo. Depois de assistir a primeira apresentação dos Lumière, decide-se pelo cinema, transformando-o de curiosidade em entretenimento. Realizava uma nova forma de espetáculo, porém ligada à tradição teatral, a câmera ficava sempre a uma distância convencional da cena representada, como num teatro um espectador se conserva sempre a mesma distância do palco.Não foi Méliès que inventou a ficção, mas foi ele que inventou o cinema fantástico, antes dele um filme simplesmente recriava algo que poderia acontecer na vida real. Por isso é considerado o pai da arte no cinema.Pioneiro na utilização de figurinos, atores, cenários e maquiadores, opõe-se ao estilo documentarista. Desenvolveu diversas técnicas: fusão, exposição múltipla, uso de maquetes e truques ópticos, sendo assim precursor dos efeitos especiais
　
Realizou:
A Danação de Fausto (1898),
O Homem de Quatro Cabeças (1898),
Cinderela (1899),
Viagem a Lua (1902),
Viagens de Guliver (1902),
A Coroação de Eduardo VII (1902) – realizado antes da coroação,
Mil e Uma Noites (1905),
Vinte Mil Léguas Submarinas (1907),
Os Delírios do Barão Münchausen (1911) ,
A Conquista do Pólo (1912).
Hoje Méliès é considerado um dos inventores do cinema e da linguagem ilusionista, mas era criticado pelos especialistas que diziam que suas tramas eram mera desculpa para o uso de efeitos especiais. Em 1915, Méliès fechou seu estúdio e desistindo do cinema, pois não existia mercado suficiente para sustentar seus filmes caros, teatrais e baseados em trucagens mirabolantes.